Le post-punk, ce n’est pas juste du son saturé et des guitares froides. Dans les late 70s, ce souffle venu d’Angleterre a perverti la norme, bousculé le bon goût, posé les jalons d’un style qui n’a jamais vraiment quitté la scène. Tout, chez le post-punk, sent l’écorché – des coupes déchirées aux silhouettes androgyne, des textures mates aux uniformes no logo.
Quarante ans plus tard, l’énergie de la scène post-punk innerve toujours la mode. Pas une fashion week sans que le spectre de Siouxsie Sioux, Ian Curtis ou Robert Smith ne hante la silhouette d’un mannequin. La mode actuelle ne fait plus semblant : elle pioche, détourne et magnifie des codes qui étaient criés dans la rue avant de finir sur le catwalk.
Le post-punk dans la mode, c’est d’abord une affaire de rupture. Détournement de l’uniforme (de l’école au militaire), goût du noir, superpositions, matière brute, détresse affichée : l’ADN visuel du mouvement est identifiable au premier regard, mais il mute sous les agressions du contemporain. Voilà les codes principaux que l’on retrouve chez les créateurs inspirés :
Pour comprendre comment la scène mode actuelle s’approprie ces codes, focus sur quelques créateurs qui les réécrivent sans nostalgie ni plagiat.
Chez Raf Simons, le post-punk est plus qu’une référence : c’est une colonne vertébrale. Dès ses débuts, le créateur belge proclame son amour pour Joy Division et New Order, citant leurs visuels, paroles, et l’esthétique Factory Records dans ses collections. Un chiffre : en 2003, la collection “Closer” s’inspire directement de l’album de Joy Division, jusqu’à employer les drapés mortuaires de la pochette conçue par Peter Saville (cf. Vogue).
Les t-shirts à slogans empruntant aux pochettes cultes, les chemises raides portées sur des jeans déchirés, le tailoring strict fissuré d’accents grunge : chez Simons, la mélancolie post-punk rencontre le minimalisme contemporain. Dans un article de i-D, il souligne que « la modernité, c’est toujours du passé digéré. »
Difficile de parler de post-punk sans mentionner Rick Owens. L’Américain est moins dans la citation que dans la dissolution des genres : ses silhouettes longilignes, ses coupes déstructurées, l’omniprésence du noir et du cuir, rappellent la philosophie des Batcave Kids et des descendants dark wave.
Owens n’hésite pas à intégrer des éléments « postpunk » comme les bottes platform, les tuniques/sarouels, le cuir distordu ou la maille qui “pend” d’un épaule. Sa collection « Strobe » automne-hiver 2023 en est un manifeste : masques faciaux, superpositions extrêmes, aspect quasi-apocalyptique (Vogue Runway, 2023).
Si la créatrice française Marine Serre est connue pour son croissant de lune et ses références à l’éco-futurisme, sa vision du post-punk s’exprime dans la déconstruction et la collision des genres. Elle joue sur les contrastes : sportswear cybernétique, dentelle fusionnée à du néoprène, recyclage extrême.
Son défilé automne-hiver 2022, baptisé « Hard Drive », illustre la nervosité post-punk 2.0 : ensembles upcyclés, silhouettes quasi-militaires, gants en latex (entre contrôle et insoumission), sons industriels en bande-son directe (source : Dazed). Son équipe expliquait avoir remixé “The Normal” de Daniel Miller pour accentuer l’ambiance.
Le designer écossais Charles Jeffrey, fondateur de Loverboy, réactive le post-punk sous sa déclinaison club et queer. Héritier du Blitz Club de Londres, il fusionne tartans punk, badges DIY, perruques sculptées à la Siouxsie, et explosivité New Romantic. Sa marque déjoue les genres et impose le cri du costume « extra » sur un fond de déprime structurelle.
Sur le podium : blazers peints à la main, broderies anti-normes (« Outrageous! », « Passages » en grand format), accessoires agressifs, maquillages outranciers – chaque passage est un uppercut à la convention. Jeffrey revendique ouvertement l’influence de Vivienne Westwood, pionnière punk et agit-prop en chef.
La mode de 2024 ne fait pas que recycler la nostalgie noirceur. Les créateurs d’aujourd’hui tordent le cou au passé, le mettent en tension : ils s’attaquent à l’éphémère des tendances, imposent la radicalité de l’expression individuelle. Le post-punk leur offre une grammaire pour refuser les évidences.
L’influence du post-punk déborde largement les podiums officiels. Côté labels indépendants, il suffit de jeter un œil à quelques figures éclatantes :
| Label | Inspirations | Artistes/Collaborations |
|---|---|---|
| Undercover (Jun Takahashi) | Punk japonais, visuels noise, silhouettes androgynes | Collab avec Unkle, citations Joy Division/New Order dans des prints (2018-2019) |
| Ottolinger | Détournements, matières cramées, panel freakcore post-punk | Capsules avec PLZ Make it Ruins (label musical underground UK) |
| Mowalola Ogunlesi | Esthétique rave postpunk, cuir flashy, silhouettes sans compromis | Participation à la scène grime et punk londonienne (The Face, 2022) |
| Martine Rose | Streetwear et tailoring mélangés, influence 80s queer et punk | Collab avec Napapijri, hommage aux communautés LGBTQ+ de l’underground londonien |
Les vrais undergrounders le savent : la lutte continue. Derrière chaque couturier indé limite confidentiel, c’est tout un écosystème qui entretient la flamme – ateliers DIY, friperies, labels de micro-édition, salons queer et collectifs techno/postpunk qui sortent du carcan des grands shows.
L’esprit post-punk survit parce qu’il refuse la récupération facile. Il s’agit d’un appareil critique, d’un style pour créer la discorde et pousser l’expression jusque sur la peau. Les jeunes créateur·rices d’aujourd’hui explorent ces abysses pour déterrer une énergie anti-système, taillée pour résister à la vitesse asphyxiante du tout-digital.
À l’aube d’une décennie où le conformisme s’auréole de progrès, le post-punk rappelle la nécessité de la faille, de la marge et du doute. La mode a plus que jamais besoin de cette pulsion de vie tordue pour garder ses airs de combat. Les noms changent, le cri reste.